クレッシェンドのテクニック

私たちは音楽を演奏するために様々なテクニックを、演奏体験や練習を繰り返して身につけています。例えば演奏中にクレッシェンドしたいと思えば、ほとんどの人が難なくできると思います。

頭の中で鳴っている音に従っているだけで、もしくはクレッシェンドしよう、音楽を盛り上げよう、音を大きくしよう、そう思うだけでクレシェンドという表現をごく自然に行えているのです。
クレッシェンド＝だんだん強く、大きく・・・つまり音を大きくするためにはああして、こうして・・・なんて演奏中考えていませんよね。考える暇もありません。

音をだんだん強く/大きくしていく方法をすでに身につけていて、演奏中に瞬時にその方法を選択し、実行しているのだと思います。


しかし、必ずしも「やりたいと思っている表現」と「実際の演奏」が一致することばかりではありません。


そこで、
・理想のクレッシェンドを表現するために、
・クレッシェンドを効率よく行うために、
・よりラクに行うために、
音を大きくしていくための方法を知っておくことは、とっても役に立ちます。

私たちが普段意識しなくともできているクレッシェンド、実際にはどんなことをしているのでしょう？

◆息と口の連携プレイ！

チューニングＢ♭でもＦでもなんの音でも構いませんので、ある音をロングトーンします。
口・唇はいっさい変えずに、息の量をだんだん増やしてください。

どんなことが起こりますか?
口・唇をいっさい変えずに、息だけ増やしていけば、音程がだんだん高くなり、やがて上の音にひっくりかえります。


次は、先ほどと同じ音で、ロングトーンします。
今度は、息の量はいっさい変えず同じ量で、口・唇をだんだん緩めてください。

今度はだんだん音程が下がって、さらに続けると下の音に変わります。


では、この二つを組み合わせます。
ある音をロングトーンします。
息を増やしながら、口をだんだんゆるめてみてください。
うまく連携できるとクレッシェンドになると思います。


ただ息を増やしていくだけでは、音程が高くなっていきます。
同じ音程を維持し、音を大きくしていくために、息の量を増やしていきつつ、それに連携して口・唇は緩んでいきます。
特に口を緩めているというのは、普段意識しないことかもしれませんね。
クレッシェンドするときに、音が思うように大きくならなかったり、力んだ音や響きが損なわれてしまう場合は、「口を緩める」ことを意識すると、きれいにクレッシェンドできます。


こうした仕組みや、やり方を理解していることで、
・より効率的になる
・表現の幅や種類を広げることができる
・よりラクになる
・生徒や後輩の指導で役に立つ
などメリットがあります。
試してみてください♪



森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ
トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍
プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について

音を支えているのは、体の「動き」

吹奏楽や管楽器指導のなかで「音を支える」という表現をよく耳にします。
一定の音色・音量・音程・響きを保持するために「支える」という表現が使われているように思います。


「支える」という言葉にどんなイメージを持ちますか？
僕は、建物の土台とか、「がっちりした・固定的な・動かない」ものを連想します。
「支える」という表現は、イメージとしてわかりやすい反面、「固定的で動かない土台」というイメージを奏法に持ち込んでしまう可能性もあると思います。


「音を支えること」ができているかどうか、どのように判断しますか？
僕の解釈ですが、上に書いたように、一定の音色・音量・音程・響きが保持されていれば、安定した「支えられた音」と認識できると思います。
つまり、判断基準は「音」で、「支えようとしている」体の感覚ではありません。

音を支えるために、
・おなかに力を入れて、固めようとしていませんか？
・脚が固まっていませんか？
・アンブシュアと楽器の関係がぶれないために、頭や首を固めていませんか？
・体が動かないように、と思っていませんか？

これらのことは、「音を支えようと体が頑張っている感覚」は得ることができますが、音を支えるためには、必要ありません。
このやり方で、音を支えられているとしても、音色や響き、演奏の自由度、音量の幅は制限されている可能性が高いです。


では、「音を支える」にはどうすればいいのでしょう。






バランスをとるために体は動いている
私たちがバランスよく立っていられるのは、体が微細に動き続け調整してくれているからだそうです。
・試しに立って両手を前にのばしてみてください。そして腕をふりまわしたりいろいろな方向に動かしてみてください。
別に不思議なことではありませんが、バランスを崩すことなくそのまま立っていられますよね。日常生活の中でも私たちはいろいろな動きや姿勢になりますが、特に何か意識しなくたって立っていられます。

・今度は脚を固めて(膝を張り、股関節・足首をロックする感じで)、両手を前にのばし、腕をふりまわしたり、いろいろな方向に動かしてみてください。
手を前にのばしたとき、体がほんの少し前に傾きませんか？腕を動かし始めると、さっきよりも足下が不安定になりませんか？
本当に微動だにしない「物」であれば、手が前に出るとそのまま前方向に傾いて倒れますよね。

私たちは無意識に起きている微細な動きによってバランスをとり、自分の体を支えています。
支えるために「固定しよう」とすると、体はその指令に従い、逆にバランスが取りづらく支えにくくなるんです。
演奏する時も普段立っている時も脚を固めることは必要ありません。むしろ自由に動ける方が、より思い切った表現をするときにも、対応しバランスを取って支えてくれます。





音を支える息について。

管楽器で音を出すためには、息を吐くことが必要ですね。
管楽器演奏の場合、息を吐く量は普段の呼吸よりも多くなるので、腹筋や骨盤底筋が働きます。
一定の音量で保つ(音を支える)ためには、一定の量の息を吐き続けることになります。
息を吐くときの腹筋の役割は、吸った時に横隔膜の働きで押し下げられた内臓を、上に押し戻すことです。
その時、腹筋を固定して支えようとすると、息を吐くという動きを止めてしまいます。
腹筋が動き続けるから、一定の量の息を吐き続けることができるんです。

そして息を吐き続けることで音は支えられています。




アンブシュアとマウスピースの関係も、曲を演奏していれば変化し続けます。
必要なのは、音を奏でている間、密着し続けていることです。
唇と楽器をその場所に固定させることではありません。
演奏中に、自然に起こる頭や顎・アンブシュアの動きの変化に合わせて、唇とマウスピースを密着させ続けていたい、そのために楽器を持つ手・腕が唇方向にマウスピースをくっつけ続けます。

今説明した以外にも、たくさんの動きによって演奏が成り立っています。
それらの動きが音を支えています。




なので音を支えるために
・頭と首は固めてなくていい、動けるようにしてあげよう。
・体も固めてなくていい、動けるようにしてあげよう。
・脚は、微細にバランスをとれるよう動けるようにしてあげよう。
・息を吐き続けよう、そのために腹筋は動いているんだ。

そして、好きなだけ動いていいんだ
と思って演奏してみてください。



森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ
トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍
プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について

楽器の構えを、ラクに

僕は楽器を吹き続けていると、楽器を持っている手に力が入って疲れたり痛くなることがよくあります。また、学校の吹奏楽部などへ指導へ行くと、同様の悩みを持っていたり、無意識のうちに楽器を強くぎゅっと握っている生徒さんをよく見かけます。


楽器を持つためにどれくらいの力加減で持っているか、考えたことはありますか？
手や腕に力が入りすぎているという実感を持っている方は少なくないかもしれません。
楽器を持ち上げて、歌口(マウスピース)を口に持ってくるという動きは、演奏するために必要不可欠な動きです。
つまりブレスやアンブシュア、タンギングについて考えるのと同じくらい、考える価値のあることだと思うんです！

楽器をどれくらいの力で持つか考えてみる

手元にペンや紙(落としても大丈夫なもの)があれば試してみてください。

①片手でそれを持ちます。
②そして、それが手を離れて(机か床、もしくはもう片方の手のひら)に落ちるまで、ゆっくりと持っている手を緩めていってください。
③持っていたものが落ちたら、また同じほうの手でそれを持ちます。
④今度は、それが手を離れて落ちる手前まで、ゆっくりと持っている手を緩めてください。

落ちる手前までなので、今度は落ちませんね。
ということは、最初よりも手を緩めていても、それを持ち続けられるのです。
「持つ」ための力加減に自由な選択肢があることがわかりました。

さて、では楽器をどうやって持ちましょう。
必要な条件としては、楽器が手を離れて落ちなければ十分だと考えます。
楽器を手に取り、手をおろした状態でその楽器の重さを感じて見ましょう。

私たちは物を持つとき、無意識に持つ前から、持つために必要な力を推測し準備しています。
人のかばんや、中身のわからないダンボールが思いのほか重くて(軽くて)びっくりした経験はありませんか？それは、そのものの見た目や自分の経験から勝手に重さを推測しているからです。
普段から手にしている楽器ならなおさら習慣的に、持つための力を準備しています。

けれど力は必要になるときに、必要な分使えばいいのです。
持つ前から、持つために力を入れる必要はありません。

なので、まず楽器の重さを感じて、それを持ち続けるために必要な力で持ってみてください。
(楽器が手を離れ、床に落ちなければOKです！)
思いのほか力を使ってないという感覚があるかもしれません！

そして自分の口まで持ってくるのは、腕の動き

手で楽器をもつところまで説明しました。次は楽器の歌口(マウスピース)を自分の口まで持ってくるという、「楽器を持ち上げる」動きについて。

楽器を持ち上げるとき、肘(ひじ)が大活躍します！！
実はこの肘、案外忘れがちになることが多いようです。
手をおろしているところから、肘だけを折りたたむように曲げてみるとそれだけで胸のあたりまで手が届きます。楽器を口まで持ってくるという仕事の大部分を担っています。
もちろん楽器を持ち上げ、マウスピースを口まで持ってくるには、腕全体が動きます。
ちなみに腕全体というのは、鎖骨・肩甲骨も含まれます。なので肩のあたりも動きますよ！

なので楽器の歌口(マウスピース)を口まで持ってくるために、
手は必要な力(楽器を落とさない程度)で楽器を持ち続けていて、
マウスピースが口に向かうために肘が曲がって腕全体のサポートがあって、
マウスピースが自分の口までやってくるんです。そしてそのおかげで音を出すことができます。

↑少し変わった言い回しに聞こえるかも知れませんが、あえて楽器を持ち上げる目的と動きの順番を明確にしています。



最後に補足として強調したいポイントは、
自分の口にマウスピースを持ってくるということです。
楽器を構える過程で、自分の顔を楽器のほうにやっているかもしれません。
すると顔(頭)が楽器にのしかかることになり、その重さは自分の手・腕で受け止めることになります。これは手や腕にかなり負担がかかります。持っている楽器にさらに重さが加わるので、手に力が入る(ぎゅっと強くにぎる)原因にもなりやすいです。
なので、自分の口にマウスピースを持ってきましょう。それがさきほど説明した腕の仕事なんですね。


それでも長時間演奏を続けていると、疲れてくるのは自然なことです。
そのときはしっかり休みましょう。演奏中でも、こまめに楽器を降ろして、腕を休ませましょうね！






森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ
トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍
プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について

練習の評価の仕方

楽器の練習をしている時、自分の演奏をどんなふうに評価していますか？

以前の僕は、「結果」のみを基準に評価していました。
音が外れた⇒「ダメ」
音程が悪い⇒「ダメ」
というふうに。
この「ダメ」という評価がどこに向けられていたかというと「自分」です。
・音を外してしまう「自分」がダメ。
・音程が悪い「自分」がダメ。という評価をしていました。

その反面、「結果」ばかり意識しているので、
自分に無理のある奏法でとっさに「音をあてる」「音程を合わす」ということをしていました。
これは本番やリハーサルでは役に立つことがありますが、いってみれば緊急策のようなものです。
しかし、練習の時から「結果」だけで評価し、この緊急策をつかうことはどうでしょうか？
無理な奏法を何度も反復し、それが癖として身について、体を痛めてしまう可能性があります。
それにこういった練習の仕方はいまいち効果が得にくく、いつまでも自分の実力や技術に信頼を持てないのではないかと思います。



では、何を評価基準として練習していけばいいのでしょうか。
「自分がこうする／こうしたいと決めたプランを実行したかどうか」で判断してみると、どうでしょうか？

たとえば、練習が必要と思われる低い音から高い音への跳躍に出会ったとします。
いつも通り演奏すると上の音がうまくあたらず、下の音にはずれてしまいます。
そこで部分的な練習を始めます。
まず、その跳躍を演奏するためにどんなアイデアやプランがあるだろう？
考えたり、いままで教わってきたことを思い出せば、アイデアがいくつか出てくるかもしれませんね！


そこで、「出したい音をイメージしてみよう(ソルフェージュしよう)」というアイデアがおもいついたとします。
この段階ではそれでうまくいくかはわからないけど、このアイデアを実行します！


・・・結果は上の音があたらなかった、とします。
しかし、「音をイメージする」というプランは実行できました！
この実行したかどうかがとっても大切です。
音はあたらなかったけど、次のことがわかりました。


その跳躍を演奏するためには、「音をイメージする」というプラン以外にも何かする必要がある。
(これは、ひとつのプランを本気で実行したからこそわかる大事な情報です！)
また、音をイメージしていなかった時より、近い音が鳴ったり、あたりそうに感じたかもしれませんね。


では、「音をイメージする」というプランに加え、新たなプランを用意します。
「跳躍するときに、息をより多く吐いてみよう。」を実行してみます！


・・・結果は出したい音よりもさらに上の音にあたりました！
これも「外れた」と言ったりしますが、先ほどとは結果そのものが全然違います！
そして「息をより多く吐く」というプランを実行したからこそ生まれた結果です。
わかったことは、「息を多くする度合を減らしていいかもしれない」あるいは「アンブシュアを緩めてもいいかもしれない」ということです。。(もちろん上記以外のアイデアやプランはたくさんあります！)
そして、そのどちらかを実行します！


・・・練習していた跳躍がうまくいきました！！
こうした「プランを実行する」過程を踏まえ、「できた」という事実をしっかりと受け入れることもとっても大切です。


ひとつの例をとって説明してみましたが、このようにプランや意図を持って実行した結果は、音が外れてようがどうだろうが、良し悪しで評価するものではなく、次につなげれる一つの情報になります。
だから、演奏の「結果」を基準に評価するのではなく、「プランや意図を実行したかどうか」を基準とした方が効率的にうまくなっていけるんですね。
自分の技術への信頼も深まり、本番でも引き出しやすくなります。



練習が「ダメな自分をいじめて、変えようとする」作業から「自分の可能性に向かって冒険していく」作業に変わります。





森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ
 トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍
プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について

自分のために演奏する。

今日、中学生とレッスンをしている時、ふと考え事をしました。
「僕は中学生の頃、なぜトロンボーンに惹かれたのか。演奏することの何が幸せに感じるのか。」


理由はひとつではないと思います。
音楽を通しての出会いも、自分の音楽で人が何かを感じてくれることも、自分にとって大きな意味を持ち、その体験は本当に幸せなことです。
でも、自分にとってもっと根本的な原点がすっぽり抜け落ちていたことに気づきました。

それは、自分の奏でるトロンボーンの音に、自分自身がわくわくして楽しくて心地よくて仕方がなかった！！という体験です。
それがトロンボーンに魅了された一番最初のきっかけ。
当時どんな音だったかははっきり覚えてないけれど、単純に自分の吐いた息が音になること、だんだん出せる音や吹ける曲が増えていくことが、やたら嬉しかったんです！
誰よりも自分が自分の音を楽しんでいました。そして自分が楽しいと感じる音をだれかに聞いてもらうのもこの上ない喜びでした。




「もっと上手くなりたい」という欲求も、もともとは自分がもっとこんな音で吹きたい、こんな曲が吹けるようになりたい、という自分のための欲求でした。
それがいつからか
「自分の演奏に満足したり、楽しんでいてはいけない。だれかに聞いてもらったり認められるためにはもっと努力して上手くならなければいけない。」と考えるようになりました。

聞いてもらいたい／認めてもらいたいという欲求自体は自然なことですが、そのために「自分の演奏を楽しむこと」を犠牲にしてしまったのです。
この自己否定をモチベーションとした練習サイクルの代償はあまりにも大きなものでした。




この考えは高校～大学の間でじわじわと広がっていき、大学三回生の頃、完全に浸透していました。それからというもの、他人の評価に一喜一憂するだけで、演奏する楽しさや喜びを感じられることは明らかに減っていきました。
以前とは反対に、自分の演奏に対して否定的になり、自分の音が嫌いになってしまいました。
最後には自分の音を誰かに聞かれるのも、自分が聞くことも苦痛になってしまいました。




けれどそこまで演奏することに苦しみながらも、トロンボーンを続けていきたいと思えたのは、
「自分が、自分の演奏を楽しむ」という体験がそれほど自分にとって強烈に残っていたからです。
そんなとき、その頃自分が好んで聴いていたミュージシャンや演奏家にある共通点を見つけました。
それは、自分の歌を、演奏を、曲を、本当に愛おしそうに大切に奏でていたのです。
そんな人たちに魅せられ憧れている自分に初めて気がつきました。

今自分は、「自分の楽器から出ているリアルな音を聞くこと」から始めています。
良いか悪いかの評価をせずただ自分の音を聞くというのははじめ不思議な感覚がしました。嫌悪感はなく、なんだかちょっと心地いい。そして驚きました！今まで自己否定的な考えや先入観があったため本当の自分の音を聞いていなかったのです。
自分に協力的になって、少しずつ自分の音が好きになり始めています。
するともっとこんな音が出したい、うまくなりたいと再び思えるようになりました。
そうだ、自分のために演奏しよう。

自分が好きと思えるからこそ、だれかに聞いてもらいたいと思うのです。





森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ
 トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍
プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について

ブレスを吸うためには、演奏を一旦やめる！

曲の途中でブレス(息継ぎ)をとるということは、
・一旦そこで演奏をやめ
・呼吸を始めて(息を吸って)
・また演奏を始める
という三つの動作の連続と言えます。

え、演奏をやめるってどういうこと？って思う方もいらっしゃるかもしれませんね。
管楽器演奏では、しばしばフレーズをつなげるために「短いブレス」「早いブレス」が要求されることがあります。
僕は長い間、どうすれば音楽の流れを切らずにフレーズをつなげられるブレスをとれるのかわからないでいました。「息持たないし、吸いたいけど、(フレーズが)切れちゃいけない。切れないように吸おうとするとうまく吸えず苦しいし、逆に流れが不自然になってしまう。どうしたらいいの！？」という感じで本当に混乱していました。なので今でもブレスに苦手意識を持っています。

息継ぎをするということは、そこで音がなくなる間が生まれます。
なぜなら演奏中は息を吐き続けていて、ブレスをとるときは、息を吐くのをやめて息を吸うからです。と、当り前の話なんですが・・・つまり息を吸うためには演奏(息を吐くこと)をやめることが必要なのです。

吐くとき、吸うときで働く筋肉は違います！

なのでブレスをとるときには、それまでの吐くために働いていた筋肉の活動をOFFにする必要があります。そうしないと息を吸おうとする動きに対して、息を吐こうとする動きが吸うのを邪魔してしまうのですね。
一番わかりやすいのは腹筋です。腹筋は、息を吐いているときに働き、息を吸うときには休んでいる筋肉です。

もし、ブレスをとるときに、腹筋が働いていたら、思うように息が吸えず、返ってブレスが長くなってしまったり、次のフレーズで息が持たなくなってしまう可能性があります。
フレーズをつなげるといっても、特別な場合を除いてそこに全く間がないわけではありません。
むしろ、その「間」こそ音楽の流れの大事な要素になるので、ブレスをとるときに以下の三つのことをする時間と自由を自分に与えてみてください。

①一旦演奏をやめる
②呼吸を始めて(息を吸って)　←これは演奏をやめれば勝手に起こるので意識しなくていいかもしれません
③また演奏を始める

どれだけ早いブレスでもこの三つのことをしています。
ならばどれだけ早く演奏をやめれるか、「演奏モード」を解除できるかがポイントになります。



◆試してみたい方は、一度簡単なゆったりとしたフレーズでやってみてください。

１フレーズごとに、「演奏をやめる」⇒「演奏を始める」を繰り返してみるとどうでしょう？

ブレスの間はどれだけあけても構いません。一度演奏をやめる時間と自由を作ってください。
そうすると思ったより長いブレスになったとしても、不自然にならないと思います。
いつもより落ち着いてたっぷりと息が入ってきませんか？
「演奏をやめる」を「アンブシュア解除」とか「腹筋はOFF」など言い換えてもいいと思います。




森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について

楽器に息を吹き込むな？？

金管楽器を演奏するとき、「息を楽器に吹き込む」「楽器に息を入れる」というイメージや意識をお持ちでありませんか？？

僕は持っていました。特に「楽器に息を入れて」という指導は吹奏楽部などでよく耳にしますね。
中学や高校へ指導へ行く時も、頑張って楽器に息を吹き込んでいる生徒さんをよく見かけます。


さて、演奏するために息を吐くことは必要ですが、「楽器に息を入れる」は意図してすることではありません。
何のために息を吐くのかというと、振動を生むためです。
音を出すためには、振動が必要で、その震動は息を吐くことで生まれます。
金管楽器で音を出すために必要な振動は、唇とマウスピースが出会うところで生まれますね！
なので、そこで振動(バズィング)が生まれれば息の役割はもう果たせているのです。
当然唇と楽器はくっついているので、吐いた息は唇で振動を生んだあと、勝手に楽器の中に入ります。
「楽器に息を吹き込む、楽器の先まで息を入れる」という意識が、「唇で振動を生むために息を吐く」に変わると、ずいぶん労力が減ると思いませんか？
実際にマウスピースだけをラクに鳴らすのも、楽器をつけて演奏するのも同じ労力でいいんです。
もちろん音量や音域によって必要な息のパワーは要ります。けれど楽器に息を吹き込む労力は必要ありません。
唇で生まれた震動が、管楽器を伝わって、それぞれの楽器の魅力的なサウンドを生んでいます。
楽器は「拡声器」でしかありません。発音源は自分自身にあります。


タイトルの「息を楽器に吹き込むな　Don't push air through trombone」という言葉は、アレクサンダーテクニーク教師グレッグホールダウェイとのレッスンのなかで聞いた言葉です。グレッグは数多くの音楽家とレッスンしてきた経歴がありますが、彼自身は音楽家ではありません。
専門分野でないにも関わらず、僕の演奏を少し見ただけでこのアドバイスをくれました。
こんなことも言ってくれました。
「君のトロンボーンは、自分(トロンボーン)としての役割をすでに知っている。君は演奏する時の君自身の役割を知る必要があるんだよ。」




森岡　尚之　／　モリオカ　ナオユキ トロンボーン＆金管トレーナー/アレクサンダーテクニーク教師養成コース在籍プロフィール
アレクサンダーテクニークとの出会い

レッスンのご依頼について